بهترین آثار سینمایی فانتزی هر دهه را کشف کنید؛ سفری از جادوگری تا دنیای‌های خیالی

بهترین فیلم‌های فانتزی هر دهه

با توجه به روند رو به رشد سریال‌های فانتزی پرطرفدار در سال‌های اخیر، این چالش شدت یافته است. آثاری نظیر بازی تاج و تخت و خاندان اژدها توانسته‌اند در بستر تلویزیون جهان‌های وسیع و جذابی ایجاد نمایند و تجربه‌ای بصری ارائه دهند که می‌تواند با یک ماجراجویی سینمایی بزرگ برابر باشد. در نتیجه، فیلم‌های فانتزی در جلب توجه مخاطب، نه تنها باید با رقبای هم‌ژانر خود در سینما رقابت کنند، بلکه با مجموعه‌هایی نیز که زمان بیشتری برای گسترش دنیای داستان و درگیر کردن بیننده در اختیار دارند، مبارزه می‌کنند.

با این حال، تاریخچه ارتباط سینما با جادو به سال‌های بسیار دور بازمی‌گردد و این پیوند موجب شده تا فانتزی هرگز کاملاً از میدان خارج نشود. ممکن است طی دوره‌هایی، محبوبیت این ژانر بالا یا پایین شود، اما تمایل مخاطبان برای فرار از واقعیت و ورود به دنیای متفاوت همیشه وجود داشته است. آنچه در طول زمان در سینما تغییر یافته، بیشتر از آنکه علاقه اصلی مخاطب باشد، شکل و نوع دنیای خیال‌انگیز مورد انتظار آن‌هاست، چرا که هر نسل با توجه به شرایط اجتماعی و فرهنگی خود، نوع خاصی از خیال‌پردازی و فرار از واقعیت را ترجیح می‌دهد.

10. جادوگر شهر اُز – 1939

جادوگر شهر اُز یکی از شناخته شده‌ترین و ماندگارترین آثار تاریخ سینما است؛ فیلمی که علی‌رغم گذشت زمان هنوز هم توانسته جذابیتش را حفظ کند. با اینکه امروز بخش عمده‌ای از عناصر این فیلم به نمادهایی رایج در فرهنگ عامه تبدیل شده‌اند، اما باید توجه داشت که این اثر در زمان آغاز اکران‌اش آنچنان که تصور می‌شود، یک موفقیت تجاری بزرگ نبود.

شهرت و جایگاه تاریخی جادوگر شهر اُز به تدریج برای آن رقم خورد. شخصیت‌های آن به مرور در فرهنگ عامه جا افتادند، آهنگ‌های فیلم به آثار ماندگاری تبدیل شدند و استفاده خلاقانه از فناوری «تکنی‌ کالر» به ویژه در گذر از تصاویر سیاه و سفید به دنیای رنگارنگ اُز، به یکی از به یادماندنی‌ترین نکات بصری این فیلم تبدیل شد. ماندگاری این فیلم وقتی جالب‌تر می‌شود که بدانیم این اثر در سال‌های متمادی بارها تقلید و حتی مسخره شده است. با وجود این، تکرار و بازآفرینی جنبه‌های آن نه تنها از اعتبار فیلم کاسته، بلکه بر جایگاه آن در تاریخ سینما افزوده است.

علاوه بر این، عملکرد نه‌چندان موفق دنباله‌ها، پیش‌درآمدها و بازآفرینی‌های مختلف دنیای جادوگر شهر اُز، اهمیت اثر اصلی را به وضوح نمایان می‌کند. ویکتور فلمینگ، با اقتباس از داستانی که بسیاری آن را «غیرممکن» برای تبدیل شدن به یک فیلم سینمایی می‌دانستند، توانست آثاری خلق کند که نه تنها از محدودیت‌های اقتباس فراتر رفته، بلکه به یکی از ماندگارترین مثال‌ها در تاریخ سینما بدل شود.

9. مسئله زندگی و مرگ – 1946

مسئله زندگی و مرگ یکی از آثار برجسته مشترک مایکل پاول و امریک پرسبرگر است. در این فیلم، داستان خلبان بریتانیایی که به طور تصادفی در روزهای پایانی جنگ جهانی دوم به دنیای پس از مرگ منتقل می‌شود، روایت می‌شود. او با چالش بازگشت به زندگی و دنیای زنده‌ها مواجه می‌شود. این اثر در ابتدا فضایی شبیه به یک ماجراجویی جنگی هیجان‌انگیز دارد و می‌توان آن را در کنار بسیاری از فیلم‌های جنگی دهه خود قرار داد. اما بلافاصله بعد از آن، مسئله زندگی و مرگ به داستانی انسانی، گرم و تأثیرگذار درباره معنای زندگی و ارزش بودن در جهان تغییر مسیر می‌دهد.

یکی از ویژگی‌های برجسته این فیلم، تصویری است که پاول و پرسبرگر از زندگی پس از مرگ ارائه می‌دهند. آن‌ها با نگاهی نوآورانه، جهانی را به تصویر کشیدند که بیشتر از آنکه به یک تفکر مذهبی خاص وابسته باشد، کاملاً در خدمت زبان سینما قرار دارد. این رویکرد به فیلم این امکان را می‌دهد که مفهوم زندگی پس از مرگ را به شیوه‌ای خیال‌انگیز مطرح کند، بدون آنکه با باورهای پیروان یک دین خاص در تضاد باشد. در این بستر، بازی دیوید نیون نیز یکی از عوامل قوت اساسی فیلم به شمار می‌رود؛ او با ترکیبی از شوخ‌طبعی، جذابیت و بازی کنترل‌شده‌اش، شخصیتی را به تصویر می‌کشد که می‌توان آن را یکی از بهترین نقش‌آفرینی‌های کارنامه‌اش دانست.

8. مهر هفتم – 1958

مهر هفتم به‌عنوان یکی از مهم‌ترین فیلم‌های قرون وسطایی تاریخ سینما شناخته می‌شود. این اثر نه تنها تصاویری ماندگار از زندگی در اروپای قرون وسطی به نمایش می‌گذارد بلکه یکی از شناخته‌شده‌ترین تفسیرها از مفهوم مرگ را نیز به سینما معرفی کرده است. اینگمار برگمان در این اثر دوباره توانایی استثنایی‌اش در ترکیب دیالوگ‌های عمیق با تصاویری شگفت‌انگیز را به نمایش می‌گذارد. مهر هفتم به تاریخ و فضای قرون وسطی وابسته است، اما نگاه آن به مرگ تنها به روایت تاریخی محدود نمی‌شود. برگمان از این زمینه برای بررسی یکی از بنیادی‌ترین اضطراب‌های انسانی استفاده می‌کند: ترس از مرگ و جستجوی معنای زندگی در مواجهه با آن.

یکی از نقاط قوت اساسی فیلم، همکاری برگمان با مکس فون سیدو است. این دو در طول دوران حرفه‌ای خود بارها یکدیگر را همراهی کردند، اما مهر هفتم را می‌توان به‌عنوان یکی از نقاط کلیدی و موفقی که کارنامه هر دوی آنان را تعریف می‌کند، معرفی کرد. در زمینه لحن نیز، مهر هفتم کم‌نظیر است؛ در حالی که به‌ظاهر یک ماجراجویی بزرگ و حماسی است، اما در هسته خود داستانی شخصی و عاطفی را روایت می‌کند. برگمان در برخی نقاط فیلم را به سمت وقایع هولناکی سوق می‌دهد و تصاویری خلق می‌کند که حتی دهه‌ها پس از تولید فیلم نیز هنوز ترسناک به نظر می‌رسند. جایگاه مهر هفتم در تاریخ سینما به‌قدری معتبر است که بارها مورد تقلید و هجو قرار گرفته است. یکی از مشهورترین نمونه‌ها را می‌توان در فیلم «سفر دروغین بیل و تد» دید؛ جایی که عناصر بصری و مفاهیم مشهور فیلم برگمان به عنوان یک شوخی سینمایی ماندگار به کار گرفته شده‌اند.

• ۱۰ تا از بهترین فیلم‌های اکشن که داستانشان در هواپیما می‌گذرد
• دنباله فیلم World War Z بعد از ۱۳ سال با بازی برد پیت ساخته می‌شود

7. مری پاپینز – 1965

مری پاپینز به‌عنوان یکی از بهترین فیلم‌های لایو اکشن دیزنی به شمار می‌آید. این اثر، با وجود تفاوت‌های قابل توجه با کتابی که از آن اقتباس شده، به یکی از کلاسیک‌های ماندگار سینما بدل شده است. بخشی از جذابیت این فیلم به آهنگ‌های فراموش‌نشدنی و صحنه‌های انیمیشنی‌اش برمی‌گردد. این عناصر همواره بعد از سال‌ها تازگی و جذابیت خود را حفظ کرده‌اند. اما دلیل اصلی ماندگاری مری پاپینز باید در ماهیت خاص آن به عنوان یک «فیلم خانوادگی» جستجو شود. این فیلم تنها برای سرگرم کردن کودکان طراحی نشده، بلکه مضامین و شخصیت‌های آن به همان اندازه برای بزرگسالان نیز معنا و ارزش دارند.

در مرکز این موفقیت، جولی اندروز قرار دارد که با ایفای نقش مری پاپینز یکی از بی‌نظیرترین نقش‌آفرینی‌های تاریخ سینما را به انجام می‌رساند. پیروزی او در بخش بهترین بازیگر زن اسکار نیز از شایسته‌ترین موفقیت‌های آن بخش به حساب می‌آید. اندروز شخصیتی را خلق می‌کند که در کنار جذابیت و جادو بودن، از عمق و دانایی فوق‌العاده‌ای نیز برخوردار است. مری پاپینز فقط برای قدرت‌های جادویی‌اش تأثیرگذار نیست، بلکه محبت، دقت نظر و درک عمیق او از اطرافیانش به جذابیت شخصیت او کمک زیادی می‌کند. به همین خاطر، می‌توان او را نمونه‌ای کامل از یک فانتزی خانوادگی در نظر گرفت، که مرزهای سنی را کنار می‌زند و می‌تواند به‌طور همزمان برای کودکان سرگرم‌کننده و برای بزرگسالان معنادار و افزوده تأمل باشد.

• فیلم Resident Evil زک کرگر رسما رکورد راتن تومیتوز را در هم شکست
• ۱۰ تا از بهترین فیلم‌های نئو نوآر در تاریخ سینما؛ آثاری با داستان‌های جنایی، تاریک و پرتعلیق

6. ویلی وانکا و کارخانه شکلات سازی – 1971

ویلی وانکا و کارخانه شکلات‌سازی یکی از اقتباس‌های جنجالی ادبیات کودک به شمار می‌رود. این فیلم در زمان تولید، به دلیل اختلافات میان سازندگان و رولد دال، نویسنده داستان اصلی، با حواشی فراوانی رو به‌رو شد. با وجود این، این اثر به یکی از ماندگارترین فانتزی‌های خانوادگی تاریخ سینما تبدیل گشت؛ فیلمی که در کنار سرگرمی و خیال‌پردازی، مضامین عمیق‌تر و جدی‌تری را نیز مطرح می‌کند.

این فیلم، علی‌رغم فضای رنگارنگ و کودکانه‌اش، در برخی صحنه‌ها حالتی کاملاً کابوس‌وار دارد و به موضوع فقر نیز با نگاهی جدی و صادقانه می‌پردازد. اما تمامی این عناصر تحت‌الشعاع بازی جین وایلدر در نقش ویلی وانکا قرار می‌گیرد؛ بازیگری که به نظر می‌رسد برای ایفای این نقش ساخته شده باشد. وایلدر وانکا را به شخصیتی چندوجهی تبدیل می‌کند؛ مردی که همزمان می‌تواند صمیمی و واقعی به نظر برسد و در عین حال با لحن کنایه‌آمیز و غافلگیرکننده، فضایی تهدیدآمیز را ایجاد کند. این تضاد در شخصیت‌پردازی وانکا باعث می‌شود تماشاگر هیچ‌گاه نتواند به‌طور کامل نسبت به انگیزه‌های رفتارهای عجیب و مرموز او مطمئن باشد.

در نهایت، ویلی وانکا و کارخانه شکلات‌سازی فراتر از یک داستان ساده درباره یک کارخانه عجیب و دنیایی جادویی است؛ این فیلم به واقع درباره ارزش‌های انسانی نظیر فروتنی، صداقت، محبت و عشق صحبت می‌کند. در سال‌های پس از آن، بازسازی‌های متعددی از این داستان ساخته شده است، از جمله نسخه‌های تیم برتون و فیلم وانکا، که هر کدام ویژگی‌های خاص خود را دارند. اما نسخه 1971 با نمایش جین وایلدر همچنان جایگاه خاصی دارد و برای بسیاری، نماینده اصلی و تعیین‌کننده داستان ویلی وانکا محسوب می‌شود.

• بهترین فیلم‌های رایان رینولدز؛ ۱۰ نقش ماندگار ستاره ددپول را بشناسید
• ۱۰ فیلم فانتزی برتر تاریخ سینما؛ آثاری که باید ببینید

5. عروس شاهزاده – 1987

عروس شاهزاده جزء مهم‌ترین آثار دوره درخشان راب راینر به حساب می‌آید؛ کارگردانی که توانست در برهه‌ای شش فیلم تحسین‌ شده را یکی پس از دیگری خلق کند که هر کدام به ژانر خاصی تعلق داشتند. عروس شاهزاده نیز با اقتباس از رمانی محبوب، به اثری تبدیل شده که مجموعه‌ای از علایق و توانایی‌های راینر را در یک داستان واحد به تصویر می‌کشد. این فیلم در عین حال که درباره قدرت داستان‌گویی و تأثیر آن بر زندگی کودکانه است، یک کمدی سرگرم‌کننده با نقش‌آفرینی‌های درخشان، یک داستان عاشقانه نزدیک و یک ماجراجویی فانتزی پهناور نیز محسوب می‌شود. فضای قرون وسطایی فیلم، به راینر این امکان را می‌دهد تا عناصر آشنا را با روایت‌هایی متفاوت و شوخ‌طبعانه ترکیب کند.

از دلایل اصلی ماندگاری عروس شاهزاده این است که فیلم به‌جای پذیرش سادگی‌های کلیشه‌ای ژانر فانتزی، آن‌ها را با هوشمندی به چالش می‌کشد. با این حال، این رویکرد هرگز باعث نمی‌شود جنبه احساسی و صمیمانه فیلم تضعیف شود. پشت تمام طنزها، ماجراجویی‌های عجیب و شخصیت‌های اغراق‌آمیز، داستانی صمیمی و واقعی درباره عشق، وفاداری و قدرت قصه‌ها جریان دارد. جذابیت فیلم همچنین در دیالوگ‌هایش مشهود است؛ جملاتی که بسیاری از آن‌ها به جزئی از فرهنگ عامه تبدیل شده‌اند.

• اگر عاشق وسترن هستید، این ۱۰ فیلم دهه ۶۰ را از دست ندهید!
• ۸ فیلم انیمیشن جذاب تاریخ که همچنان تماشایشان لذت‌بخش است

4. رویاها – 1990

رویاها یکی از آثار کمتر شناخته‌شده آکیرا کوروساوا، که از بزرگترین کارگردانان تاریخ سینما می‌باشد، است. کوروساوا در دهه‌های 1950 و 1960 بیشتر به خاطر حماسه‌های فئودالی و درام‌های اجتماعی‌اش شهرت دارد، اما در سال‌های پایانی فعالیتش به سمت تجربه‌های بیشتر شخصی و متفاوت حرکت کرد. رویاها یکی از نمادین‌ترین نمونه‌های این دوره به حساب می‌آید؛ فیلمی که کوروساوا در آن مستقیماً به دنیای درونی و ناخودآگاه خود راه می‌یابد.

این اثر متشکل از چند اپیزود است که هر یک بر اساس یکی از رویاهای واقعی کوروساوا شکل گرفته‌اند. فیلمساز در تلاش است تا منطق رویا را به زبان سینما تبدیل کند؛ جهانی که در آن مرز بین واقعیت، خیال و یادآوری از بین می‌رود و تصاویر بیش از آنکه تابع قوانین واقعیت باشند، بر پایه منطق ذهن و احساسات قرار می‌گیرند. یکی از ویژگی‌های بارز رویاها، استفاده بی‌نظیر کوروساوا از رنگ است؛ او که بخش عمده‌ای از دوران شغف خود را در سینمای سیاه و سفید گذرانده، در این فیلم با جسارت زیادی از رنگ‌ها بهره می‌برد و به هر اپیزود هویتی بصری منحصربه‌فرد می‌بخشد. نتیجه این کار، فیلمی است که گاهی بیشتر شبیه به یک مجموعه از نقاشی‌های زنده و متحرک است تا یک روایت سینمایی مرسوم.

رویاها همچنین شامل چند حضور غیرمنتظره در برابر دوربین است. یکی از جالب‌ترین آن‌ها مارتین اسکورسیزی است؛ کارگردانی که یکی از طرفداران پروپاقرص کوروساوا بوده و در یکی از اپیزودها در نقش نقاش معروف هلندی ونسان ون گوگ ظاهر می‌شود. در نهایت، رویاها را می‌توان به عنوان یکی از شخصی‌ترین آثاری که کوروساوا ساخته در نظر گرفت. این فیلم به‌جای روایت یک داستان خاص به مخاطب سفری به دنیای ذهن و تخیل کارگردان را هدیه می‌دهد و نشان می‌دهد چگونه می‌توان رویا، هنر و سینما را در یک تجربه بصری منحصربه‌فرد به هم پیوند داد.

• ۱۰ تا از بهترین فیلم‌های علمی تخیلی که با هزینه کم ساخته شدند
• این ۸ فیلم معمایی هوشمندانه شما را میخکوب می‌کنند

3. ارباب حلقه‌ها: یاران حلقه – 2001

ارباب حلقه‌ها: یاران حلقه را می‌توان بهترین قسمت از سه‌گانه ارباب حلقه‌ها دانست. این انتخاب به دلیل جایگاه خاص این مجموعه به عنوان یکی از موفق‌ترین و منسجم‌ترین فرنچایزهای تاریخ سینما، امتیاز بزرگی است. یکی از نقاط قوت اصلی این فیلم، شیوه آغاز داستان توسط پیتر جکسون است. فیلم قبل از آنکه به ماجراهای بزرگ و خطرناک سرزمین میانه بپردازد، زمانی زیادی را در شایر، جایی که هابیت‌ها ساکن‌اند، سپری می‌کند. این شروع دلپذیر باعث می‌شود که تماشاگر به شیوه زندگی و دنیای شخصیت‌ها پیوندی برقرار کند و فهم بهتری از آنچه برای نجاتش قرار است انجام دهند، پیدا کند.

اما این آرامش زمان زیادی به طول نمی‌انجامد. با شروع مأموریت یاران حلقه برای انتقال حلقه به شورای الروند، فیلم به سرعت ریتم خود را تغییر داده و به تریلری ماجراجویانه و پرتنش تبدیل می‌شود. جکسون به تدریج بدون اینکه از حماسی بودن داستان غافل شود، تنش و تعلیق را بالاتر می‌برد. یکی دیگر از نقاط قوت یاران حلقه، درخشش بازیگران است. اعضای گروه زمانی که همگی در کنار هم قرار می‌گیرند، به بالاترین میزان پویایی خود می‌رسند و روابط بین شخصیت‌ها به یکی از جنبه‌های اصلی جذابیت فیلم تبدیل می‌شود.

این تعاملات باعث می‌شود سفر گروه صرفاً به یک مأموریت برای نابودی حلقه محدود نشود و به داستانی درباره شکل‌گیری اعتماد، دوستی و همبستگی بین شخصیت‌هایی با پس‌زمینه‌های کاملاً متفاوت تبدیل گردد. در میان این شخصیت‌ها، گندالف با بازی سر ایان مک‌کلن جایگاه برجسته‌ای دارد. گندالف خاکستری در این قسمت، قبل از اینکه به گندالف سفید تبدیل شود، شخصیتی مرموز، شوخ‌طبع و در عین حال قدرتمند را به نمایش می‌گذارد و همین ویژگی‌ها او را به یکی از جذاب‌ترین شخصیت‌ها در کل سه‌گانه تبدیل می‌کند.

• ۶ فیلم علمی تخیلی که کریستوفر نولان توصیه می‌کند تماشا کنید
• بهترین فیلم‌های ترسناک کم‌هزینه؛ شاهکارهایی که با بودجه ناچیز ساخته شدند

2. هیولایی تماس می‌گیرد – 2016

هیولایی تماس می‌گیرد یکی از آثار قابل توجه سینمای فانتزی است که نشان می‌دهد چگونه خیال‌پردازی می‌تواند به ابزاری برای التیام و روبرو شدن با واقعیت در سخت‌ترین لحظات زندگی تبدیل شود. این فیلم داستان پسربچه‌ای با نقش‌آفرینی لوئیس مک‌دوگال را روایت می‌کند که مادرش (با نقش‌آفرینی فلیسیتی جونز) به بیماری لاعلاج مبتلا است. او در میانه این بحران، با موجودی هیولامند و فانتزی که توسط لیام نیسون صداگویی شده، رابطه برقرار می‌کند. فیلم از این ارتباط غیرمعمول برای کاوش در مفهوم سوگ بهره می‌برد؛ احساسی که واژه‌ها نمی‌توانند به آسانی آن را منتقل کنند. در چنین شرایطی، تخیل به پسر کمک می‌کند تا واقعیاتی را که پذیرفتنش برای او دشوار است، روبرو شود. هیولایی تماس می‌گیرد از این طریق نشان می‌دهد که دنیای خیال همیشه یک راه فرار نیست، بلکه می‌تواند ابزاری برای مواجهه با سخت‌ترین زوایای آن باشد.

یکی از ویژگی‌های مهم این فیلم، نگاهی عمیق و محترمانه به مخاطبان کودک است. این اثر به دنبال ساده‌سازی بیش از حد مسائلی نظیر فقدان، ترس و اندوه نیست، بلکه اعتماد به جوانان را افزایش می‌دهد و داستانی احساسی و بالغ را به نمایش می‌گذارد. جِی. اِی. بایونا با توجیهاتش در ژانر وحشت، با شایستگی از عناصر ترسناک بهره‌برداری کرده است. با این حال، ترس در این اثر به هیچ وجه به حدی نمی‌رسد که تماشاگران جوان را از داستان دور کند.

فیلم توانسته در میان فضای تاریک، لحظات هراس‌انگیز و بعد احساسی‌اش توازنی مناسب شکل دهد. در نهایت، هیولایی تماس می‌گیرد نمونه‌ای از موفقیت یک فیلم فانتزی برای کودکان است که بدون ساده‌سازی، به بررسی موضوعات عمیق و چالش‌برانگیز می‌پردازد. این فیلم از دل یک داستان خیالی، به مفاهیمی نظیر سوگ، پذیرش و قدرت درونی کودکان می‌پردازد و نشان می‌دهد که سینمای کودک لزوماً نباید از تلخی‌های زندگی فاصله بگیرد.

• سریال پیش‌درآمد فیلم ضد ایرانی 300 ساخته می‌شود
• بهترین فیلم‌های دهه ۸۰ میلادی که در تاریخ سینما ماندگار شدند

1. شوالیه سبز – 2021

شوالیه سبز یکی از آثار تحسین‌شده اخیر است. این فیلم برای اقتباس از یکی از پیچیده‌ترین متون ادبیات قرون وسطی، مسیری دشوار را طی کرده است. داستانی که این فیلم بر اساس آن ساخته شده، سال‌هاست که موضوع بحث و تفسیر محققان تاریخ و ادبیات این دوره بوده و تفسیرهای زیادی در مورد معنای دقیق آن وجود دارد. فیلم در ظاهر داستانی فانتزی پر از شوالیه‌ها، جادو و خطرات را به تصویر می‌کشد. دو پتل به عنوان سر گاوین، شوالیه‌ای جوان و مغرور، حضوری پرشور و جذاب دارد و انرژی خاصی به فیلم می‌بخشد. با این حال، شوالیه سبز به سرعت از یک ماجراجویی آشنا فاصله می‌گیرد و به اثری عمیق‌تر و سوررئال درباره مرگ، ترس از آن و مواجهه انسان با سرنوشت تبدیل می‌شود.

یکی از جنبه‌های بارز این فیلم، کیفیت بصری‌اش است. شوالیه سبز در بسیاری از صحنه‌ها به مراتب پرهزینه‌تر از بودجه واقعی‌اش به نظر می‌رسد؛ دستاوردی که بیشتر به خاطر دیدگاه بصری دیوید لاوری است. او با بهره‌گیری دقیق از ترکیب‌بندی، نور، طراحی صحنه و مناظر طبیعی، جهانی فانتزی خلق می‌کند که هم به‌شکوه و افسانه‌ای به نظر می‌رسد و هم فضایی عجیب و غیرمعمول دارد.

لاوری پیش از این نیز توانایی‌اش در آزمایش با ژانرهای گوناگون را نشان داده بود. از اژدهای پیت، بازسازی لایو اکشن دیزنی تا داستان روحی با فضایی مینیمالیستی و سوررئال مانند مادر ماری، آثار او به‌وضوح نشان‌دهنده تمایل وی به ترکیب عناصر شناخته شده با روایت‌های غیرمتعارف بوده‌اند. اما شوالیه سبز را می‌توان اوج کارنامه لاوری جمع‌بندی کرد؛ فیلمی که به ظاهر یک افسانه قرون وسطایی است، اما در لایه‌های عمیق‌تر خود به مسائلی نظیر ترس، غرور، مرگ و تلاش انسان برای یافتن معنا در زندگی می‌پردازد.

• ۱۰ تا از بهترین بازی‌های ترسناک که بر اساس فیلم‌های سینمایی ساخته شده‌اند
• ۱۰ تا از بهترین فیلم‌های سه‌گانه در تاریخ سینمای جهان