دهه ۱۹۶۰ میلادی به عنوان دوره‌ای استثنایی در تاریخ سینما شناخته می‌شود، با افول نظام استودیویی قدیمی هالیوود و ظهور موج‌های نوین بین‌المللی. در این زمان، محدودیت‌های سانسور تضعیف گشت و جوانان فیلمساز با شجاعت به سمت تجربه‌گرایی روی آوردند. نتیجه این تحولات، تولید مجموعه‌ای غنی و گوناگون از سینمای کلاسیک بود که هرکدام به نوبه خود، مرزهای داستان‌گویی و شکل هنری را مورد چالش قرار دادند و هنوز پس از گذشت سال‌ها، ادامه حیات دارند و قابل تماشا هستند.
۱۰. نبرد الجزایر (The Battle of Algiers)؛ ۱۹۶۶
«آغاز یک انقلاب همواره دشوار است و ماندن در آن دشوارتر.» فیلم نبرد الجزایر به قدری واقع‌گرایانه و تأثیرگذار تصویر شده که بیشتر شبیه به یک مستند به نظر می‌رسد و حتی نیروهای نظامی از آن به عنوان راهنمای آموزشی استفاده کرده‌اند. این اثر به نبرد الجزایری‌ها علیه استعمار فرانسه می‌پردازد و با شلنگ‌زنی‌های دستی، فیلمبرداری سیاه و سفید و به کارگیری بازیگران غیرحرفه‌ای، واقع‌گرایی شگفت‌انگیزی را منتقل می‌کند. این داستان به جزئیات شورش و ضدشورش تاکید دارد و خشونت را با شدت در لبی ملموس و نگران‌کننده به نمایش می‌گذارد.
۹. پرسونا (Persona)؛ ۱۹۶۶
«نه، نخند. به من نیازی نیست که بخندی.» این اثر بی‌نظیر ساخته اینگمار برگمان با بازی الیزابت ووگلر (لیو اولمان) آغاز می‌شود، که به ناگاه در حین اجرا سکوت می‌کند و به گوشه‌ای پناه می‌برد. آلما (بیبی آندرسون)، پرستار او، مسئول مراقبت از او می‌شود و این دو زن به خانه‌ای دورافتاده در کنار دریا می‌روند، جایی که هویت‌هایشان به شکلی عجیب و فزاینده در هم تنیده می‌شود. برگمان به آرامی رابطه میان این دو زن و حتی ساختار خود فیلم را متزلزل می‌کند و اثری در خصوص هویت، نزدیکی و طبیعت ناپایدار ذهن و شخصیت بشری می‌سازد.
۸. آپارتمان (The Apartment)؛ ۱۹۶۰
«خفه شو و ورق پخش کن.» این کمدی رمانتیک تلخ ساخته بیلی وایلدر، با نقش آفرینی جک لمون به عنوان سی.سی. بکستر، کارمند بیمه‌ای که آپارتمانش را به مدیران ارشد برای قرار ملاقات‌هایشان اجاره می‌دهد، آغاز می‌شود. بکستر امیدوار است که این اقدام او را در مسیر ترقی شغلی قرار دهد. اما وقتی متوجه می‌شود فرانک کوبلیک (شرلی مک‌لین)، مسئول آسانسوری که به او علاقه دارد، معشوقه رئیس متاهل اوست، اوضاع به پیچیدگی می‌کشاند. این فیلم با ظرافت خاصی در میان کمدی و غم‌زدگی حرکت می‌کند و طنز را در کنار عواقب تلخ سوءاستفاده‌های شرکتی نمایش می‌دهد.
۷. بانی و کلاید (Bonnie And Clyde)؛ ۱۹۶۷
«این خانم بانی پارکر است. من کلاید بارو هستم. ما از بانک‌ها می‌زنیم.» فیلم جنایی آرتور پن، بانی و کلاید، نقطه عطفی در شکست نظام قدیمی هالیوود به شمار می‌رود و راه را برای انقلاب «هالیوود جدید» هموار می‌سازد. این فیلم، جنایتکاران دوران رکود اقتصادی را به عنوان ضدقهرمانانی کاریزماتیک نشان می‌دهد، اما هرگز عواقب اعمالشان را نادیده نمی‌گیرد. بازی‌های پیچیده وارن بیتی و فی داناوی در کنار تغییرات ناگهانی و شدید در لحن فیلم، از شوخ‌طبعی و هیجان تا خشونت عریان، تجربه‌ای بی‌نظیر را برای مخاطبان فراهم می‌آورد. اوج این ناپایداری در صحنه کمین پایانی به اوج خود می‌رسد که در زمان اکران، بینندگان را به شدت شگفت‌زده می‌کند.
۶. لورنس عربستان (Lawrence of Arabia)؛ ۱۹۶۲
«چیزی نوشته نشده است.» حماسه تقریباً چهار ساعته دیوید لین، به عنوان یکی از برترین فیلم‌های دهه ۱۹۶۰، داستان تی. ای. لورنس (پیتر اوتول) را در دوران شورش اعراب روایت می‌کند. این اثر تنها یک فیلم تاریخی غنی نیست، بلکه یک بررسی پیچیده از شخصیت لورنس را ارائه می‌دهد که از یک ماجراجو به شخصیتی با اعتماد به نفس فزاینده و گاهی تاریک تغییر می‌کند. لین این عمق روانشناختی را با یکی از باشکوه‌ترین فیلمبرداری‌های تاریخ سینما ترکیب می‌کند؛ از ظهور عمر شریف از دل سرابی تا حمله به عقبه و سفر لورنس در صحرا، هر یک جلوه‌ای شگفت‌انگیز به نمایش می‌گذارد.
۵. هشت‌ونیم (8½)؛ ۱۹۶۳
«خوشبختی یعنی تو بتوانی حقیقت را بدون آسیب زدن به کسی بیان کنی.» این فیلم فدریکو فلینی، یک پیشرفت مهم در سینمای پست‌مدرن و خودآگاه محسوب می‌شود. هشت‌ونیم، چالش‌های خلاقانه خود این کارگردان را در مرکز داستان قرار می‌دهد و به تصویر کشیدن کارگردانی به نام گیدو آنسلمی (مارچلو ماسترویانی) می‌پردازد که با وجود فشار برای تولید یک اثر جدید، از ایده‌هایش ناتوان است. او در مقابل خواسته‌های تهیه‌کنندگان، بازیگران، روزنامه‌نگاران و حتی همسر و معشوقه‌اش، به خاطرات، رویاها و فانتزی‌های خود پناه می‌برد. فلینی در این کار خود به واقعیت و تخیل اجازه معجون شدن می‌دهد.
۴. خوب، بد، زشت (The Good, the Bad and the Ugly)؛ ۱۹۶۶
«این دنیا دو نوع آدم دارد دوستم: آنهایی که هفت‌تیر پر دارند و آنهایی که بیل می‌زنند.» به جرات می‌توان این اثر را به عنوان بزرگترین وسترن تاریخ سینما معرفی کرد که موسیقی متن آن تقریباً معادل با این ژانر شناخته می‌شود. در این داستان، سه مرد بی‌رحم (کلینت ایستوود، لی وان کلیف و الی والاک) در حالی که جنگ داخلی آمریکا در اطرافشان در حال شعله‌ور شدن است، به دنبال ثروتی از طلای دفن شده هستند. اتحادها تنها تا زمانی که سودی برایشان داشته باشد پایدار می‌مانند و خیانت‌ها غالباً اجتناب ناپذیرند. سرجیو لئونه با مناظر بیکران، زاویه‌های نزدیک و سکوت‌های طولانی، به همراه موسیقی بی‌نظیر انیو موریکونه، استایل بی‌نظیرش را به اوج می‌رساند.
۳. دکتر استرنج‌لاو (Dr. Strangelove)؛ ۱۹۶۴
«آقایان، نمی‌توانید در اینجا جنگ کنید! این اتاق جنگ است!» دکتر استرنج‌لاو یکی از تندترین هجوهای تاریخ سینما و از بارزترین فیلم‌های دهه ۱۹۶۰ به شمار می‌رود که تیغ تند آن با گذر زمان کند نشده است. استنلی کوبریک در این اثر ذهنیت بازدارندگی جنگ سرد را مورد بررسی قرار می‌دهد و به نتایج مضحک و جنون‌آمیز آن می‌رسد. زمانی که ژنرال جک دی ریپر (استرلینگ هایدن) به‌طور مستقل دستور حمله هسته‌ای به شوروی را صادر می‌کند، مقامات آمریکایی تلاش می‌کنند تا بمب‌افکن‌ها را پیش از فعال شدن دستگاه روز قیامت به بازگردانند. پیتر سلرز در سه نقش متفاوت از جمله رئیس‌جمهور مرکین مافلی و دکتر استرنج‌لاو، دانشمند سابق نازی ظاهر می‌شود. این فیلم به طرز هراس‌انگیزی مسئولان بقای بشریت را به عنوان شخصیت‌هایی حقیر، اشتهاء‌ران و رقابت‌جو به نمایش می‌گذارد.
۲. روانی (Psycho)؛ ۱۹۶۰
«همه ما گاهی به اندازه‌ای دیوانه می‌شویم.» درک اینکه چقدر روانی آلفرد هیچکاک در سال ۱۹۶۰ غیرعادی به نظر می‌رسیده، دشوار است، زیرا سازندگان سینما به مدت ده‌ها سال به سرقت نوآوری‌های آن پرداخته‌اند. تغییر ناگهانی روایت از یک تریلر جنایی به وحشت روانشناختی، نقطه عطف اصلی این فیلم به شمار می‌آید. ماریون کرین (جانت لی) پس از سرقت ۴۰ هزار دلار و فرار از شهر، در متل بیتس توقف می‌کند و هیچکاک شخصیت اصلی داستان را به قتل می‌رسد و روایت جدیدی آغاز می‌شود. صحنه معروف دوش، با ترفندهای تدوین، صدا، ایهام و موسیقی متن برنارد هرمان، خشونتی را به تصویر می‌کشد که در تصور تماشاگر به مراتب گرافی‌تر از آنچه که بر پرده نمایان شده، به نظر می‌رسد.
۱. ۲۰۰۱: ادیسه فضایی (2001: A Space Odyssey)؛ ۱۹۶۸
«متاسفم، دیو. قادر به انجام آن نیستم.» کوبریک دوباره با یک شاهکار درخشان برمی‌خیزد. ۲۰۰۱: ادیسه فضایی در زمان خود به‌عنوان جاه‌طلبانه‌ترین فیلم علمی-تخیلی شناخته شد که با فشاری بر محدودیت‌های فنی دهه ۶۰، تصویری کاملاً نو را همراه داشت. داستان این فیلم واقعی، از انسان‌های اولیه پیشاتاریخی آغاز می‌شود و در نهایت انسان‌های آینده را به سوی هوش مصنوعی لجام‌گسیخته و چیزی حتی مرموزتر و متعالی‌تر راهنمایی می‌کند. این همه با جلوه‌های بصری تحقق یافت که سال‌ها از عصر خود جلوتر بود. فیلم ۲۰۰۱: ادیسه فضایی از نظر بصری راه را برای شاهکارهای علمی-تخیلی آینده مانند جنگ ستارگان و بیگانه هموار کرد. اما از نظر فلسفی، هنوز هم خاص و منحصر به فرد مانده و اثر روانگردانی است که نزدیک به ۶۰ سال بعد، همچنان ما را به چالش می‌کشد.